"Музыка - что это и для чего она нужна?"

(Книгочей @ 17-04-2023 - 05:34)
Много для чего нужны музыка и песни. Большую роль играют музыка и песни. А уж какое значение они под час имеют и говорить не нужно! Но стоит.
Призраки 53-го: "Многие востоковеды и сами иранцы сегодня сходятся во мнении, что одним из толчков к революции и росту антиамериканских настроений стал переворот 1953 года. Тогда ЦРУ в совместном заговоре с британскими спецслужбами и монархом отстранило от власти первого избранного народом премьер-министра Ирана Мохаммеда Мосаддыка. Считается, что ключевые роли в детальном планировании переворота сыграли американские дипломаты – братья Аллен и Джон Фостер Даллесы.

Моссадык в начале 1950-х возглавлял оппозиционную коалицию «Национальный фронт Ирана», был влиятельным членом парламента и занимался национализацией нефтяной промышленности: в частности, Англо-персидской нефтяной компании. Сегодня она называется British Petroleum. Компания под британском руководством долгие годы по концессиям вывозила из Ирана нефтепродукты за бесценок, а также была освобождена от уплаты подоходного налога и таможенных пошлин. После национализации Британия обвинила Тегеран в рейдерском захвате собственности и угрожала международным судом ООН и ввела нефтяное эмбарго, которое нанесло значительный ущерб экономике Ирана.

Протестующие на балконах здания информационного центра Англо-персидской нефтяной компании. Они захватили здание и оторвали от знака английское название, оставив лишь написание вязью. 22 июня 1951Протестующие на балконах здания информационного центра Англо-персидской нефтяной компании. Они захватили здание и оторвали от знака английское название, оставив лишь написание вязью. 22 июня 1951

Мосаддык все равно пользовался популярностью как среди рабочего класса, так и в интеллектуальных кругах. Но с каждым годом напряжение между ним и сторонниками шаха возрастало. После нескольких неудачных попыток сместить Мосаддыка шах Пехлеви согласился участвовать в сговоре американского президента Дуайта Эйзенхауэра и британского премьера Уинстона Черчилля. На этот раз план сработал. Операция в ЦРУ получила кодовое название «Аякс», в МИ6 – «Boot» («дать пинка»). Неофициальным гимном переворота среди заговорщиков стала песня «Luck Be A Lady Tonight» из бродвейского мюзикла «Парни и куколки».

ВИДЕО Marlon Brando - "Luck Be a Lady "from "Guys and Dolls".





Американский журналист и исследователь Стивен Кинцер описал операцию в книге «Все люди шаха. Американский переворот и предпосылки к террору на Ближнем Востоке». В рамках кампании против премьера зарубежные спецслужбы оплачивали очерняющие статьи в местных СМИ и митинги в крупных городах. По данным бывшего специалиста по зарубежной пропаганде ЦРУ Ричарда Коттэма, до 4/5 всех газет Тегерана работали на спецслужбу и публиковали статьи, написанные в Вашингтоне. В СМИ, по словам Коттэма, для Мосаддыка создавался образ «фанатика и коллаборациониста с коммунистами» с антимонархическими и антиисламскими взглядами.

Согласно рассекреченному в 2013 году отчету ЦРУ, агенты от имени коммунистической партии Ирана «Туде» рассылали религиозным лидерам Тегерана письма, в которых угрожали расправой, если имамы не будут поддерживать Мосаддыка. В будущем клирики сыграют важную роль в перевороте. Как и депутаты парламента – их американские и британские спецслужбы подкупали. Спецслужбы организовывали и разнонаправленные демонстрации: «прошахские» и «промасаддыкские», на которых раздавались коммунистические лозунги и призывы к социалистической революции.

На фоне протестов в Тегеране начались вооруженные столкновения. Дом премьера обстреляли и разграбили. Вскоре Мосаддыку вручили указ шаха об отстранении с должности премьера и арестовали. До конца своей жизни он оставался под домашним арестом."(с) Источник: https://kartoteka.io/news/2584-444_dnja_v_z...stva_v_tegerane

Пойте вместе с друзьями: "Петь одному весело, а вместе с друзьями – еще и полезно. Исследователи уже неоднократно писали, что пение в группе способствует укреплению физического и ментального здоровья. И связано это не только с музыкой, но и со всем остальным, что происходит в паузах между выступлениями. Ученые обнаружили, что пение и общение с другими участниками положительно влияют на социальное и психическое благосостояние.

(Книгочей @ 01-04-2023 - 02:56)
Совмещать музыку и песни с изображениями начали уже давно и неспроста, т.к. комплексное воздействие на слух и на зрение аудитории и зрителей увеличивает возможности и обогащает восприятие. Причём, при этом расширяется и творческая палитра авторов произведений, как композиторов и поэтов, так и художников.
Ещё одним перспективным направлением является соединение музыки, сатиры и юмора. К сему: Искусство объединения музыки и юмора: мнение Александра Пушного: "Буквально на днях на канале СТС стартует прьемьера шоу «Обратный отсчёт», почти полностью повторяющего идею передачи «Двое на миллион» на ТНТ. Однако, несмотря на это, надежды на эту передачу возлагаются немалые, а всё из-за ведущего — Александра Пушного.(с)

Далее: https://se7en.ws/iskusstvo-obedineniya-muzy...andra-pushnogo/ или "Александр Пушной: когда музыка и юмор - целая наука." - https://dtf.ru/life/1801667-aleksandr-pushn...or-celaya-nauka

«Я изменил музыку пять или шесть раз»: 9 фактов о легендарном джазисте Майлзе Дэвисе: "О Майлзе Дэвисе рассказывают одну байку. Якобы на приеме в Белом доме супруга тогдашнего президента США Рональда Рейгана Нэнси спросила Дэвиса, что такого он сделал в жизни. «Я изменил музыку пять или шесть раз, — ответил он. — А что сделали вы, кроме того, что [занимались любовью] с президентом?»





В анекдоте смешались правда и вымысел: за словом в карман Дэвис никогда не лез, но такого обмена любезностями не было. В Белом доме он бывал и Нэнси Рейган видел, но общались они вполне мирно, и позднее он отзывался о ней с теплотой. А вот музыку Майлз Дэвис действительно поменял не раз. «Вокруг света» рассказывает, что нужно знать о его творчестве, даже если вы не любитель джаза.

Родился в преуспевающей семье и с детства заинтересовался музыкой

Майлз Дэвис родился в городке Алтон, штат Иллинойс, что стоит на берегу великой североамериканской реки Миссисипи в паре десятков километров от Сент-Луиса. Семья Дэвис была вполне преуспевающей по меркам афроамериканцев того времени, даже владела фермой. Но с началом Великой депрессии их положение несколько ухудшилось, и Дэвисы были вынуждены перебраться в Сент-Луис.

Отец будущего музыканта был стоматологом с несколькими вузовскими дипломами и входил в состав нескольких политических и общественных организаций. Мать Майлза была учителем музыки — будучи скрипачкой, она хотела, чтобы сын тоже играл на скрипке, но уже в раннем возрасте того больше привлекали медные духовые. В 11 лет он получил в подарок первую трубу, а вскоре начал заниматься этим инструментом с видным музыкальным педагогом тех мест Элвудом Бьюкененом, который был пациентом и приятелем отца Дэвиса. Примечательно, что Майлз был слишком мал для зачисления в музыкальную школу Бьюкенена, поэтому получал частные уроки, и педагог стал его главным учителем и наставником.

В 15 лет Дэвис вошел в состав марширующего ансамбля, а в семнадцать стал играть в своем первом джаз-бэнде, а также стал писать музыку и делать аранжировки. Если бы не требование матери окончить школу, он, вероятно, уже в 1943-м уехал бы на гастроли по Америке с проезжавшим через город джазовым ансамблем, но авторитет матери возобладал, и учебу он закончил. А через полгода он уже заменял заболевшего трубача в ансамбле Билли Экстайна, в котором, помимо прочего, играли будущие титаны джаза: барабанщик Арт Блэйки, трубач Диззи Гиллеспи и саксофонист Чарли Паркер. Эти две недели убедили Дэвиса, что ему нужно ехать в Нью-Йорк, ибо там настоящая жизнь.

Так и не получил формального музыкального образования

Просто взять и уехать в Нью-Йорк из Сент-Луиса было непросто, и Майлз Дэвис прислушался к совету отца, предложившего сыну поступить в нью-йоркский Институт музыкального искусства, одно из крупнейших музыкальных учебных заведений США, сегодня известное как Джульярдская школа (Julliard School).

Дэвис без проблем поступил в институт, но большого энтузиазма на учебе не испытывал, часто пропуская занятия, хотя и посещал, помимо прочего, классы фортепьяно и теории музыки. К тому же, по его воспоминаниям, обучение в вузе было слишком «европейски-ориентированным» и «белым» (в противовес «афроамериканскому» нью-йоркскому клубному джазу), а музыка… «В Джульярде я играл в симфонии по две ноты, боп-боп, каждые 90 тактов, так что в какой-то момент взмолился: „Выпустите меня отсюда!“ И в конце концов бросил учебу», — позже вспоминал он.

Могли ли «две ноты на каждые 90 тактов» сравниться с вечерами в нью-йоркских клубах, где 19-летний к тому моменту Майлз играл на одной сцене с уже упомянутым Паркером (который, к слову, тоже учился в Джульярде и жил с Майлзом в одной комнате) и Гиллеспи, а также Коулменом Хокинсом, Телониусом Монком, Максом Роучем и десятками других легендарных джазменов? Очевидно, нет. Поэтому после третьего семестра Дэвис бросил учебу и полностью посвятил себя джазу.

Первую запись под своим именем сделал в 25 лет

Первая запись Майлза Дэвиса состоялась примерно тогда же, в 1945-м, — он играл в ансамбле, аккомпанировавшем джазовому вокалисту Рабберлегсу Уильямсу, а тремя годами позже у Дэвиса уже был собственный ансамбль — Miles Davis Nonet, включавший всё того же Чарли Паркера.

А вот первую собственную запись Дэвис выпустил только в 1951-м, и не в составе нонета (результат нескольких рекорд-сессий ансамбля увидит свет только в 1957-м под названием Birth of the Cool). Первый альбом назывался The New Sounds — на этой пластинке всего четыре номера общей длиной меньше 24 минут.

Так было положено начало дискографии длиной 40 лет (последний альбом Дэвиса был частично записан в 1991-м и вышел уже после смерти музыканта), в которой есть монументальные работы, оказавшие влияние на несколько поколений музыкантов, в том числе и самый продаваемый джазовый альбом в истории Kind of Blue, записанный за два весенних дня 1959 года, и вышедшие десятью и одиннадцатью годами годами позже соответственно эпохальные In a Silent Way и Bitches Brew, и еще порядка сотни студийных и живых альбомов, не считая сборников и бутлегов.

Его жизнь изменил Париж

В 1949-м Дэвис, побывавший к тому времени с концертами во многих городах США, впервые попал за границу — на Парижский международный джазовый фестиваль. Это событие, по его признанию, стало одним из важнейших и «навсегда изменило его взгляд на жизнь».

В Париже Дэвис не только встретился с самыми известными деятелями культуры того времени, включая Жана-Поля Сартра и Пабло Пикассо, но и впервые по-крупному влюбился (несмотря на то что уже имел жену и ребенка дома, в США) — во французскую актрису и певицу Жюльетт Греко. Их любовные отношения длились несколько лет, а дружба — до самой смерти Майлза. «Она научила меня, как любить что-то, кроме музыки», — вспоминал он позже.

А главное, в послевоенной Европе молодой афроамериканец обнаружил, что отношение к людям с отличным от белого цветом кожи может быть куда более позитивным, чем в то время в США. Возвращение в Нью-Йорк было вдвойне болезненным, и Майлз Дэвис погрузился в наркотическую и алкогольную зависимость.

Наркотическая и алкогольная зависимости сопровождали его большую часть жизни

Еще в годы обучения в Джульярдской школе Чарли Паркер, с которым соседствовал Майлз Дэвис, уже был печально известен из-за своего пристрастия к наркотикам (которые и погубили его в возрасте 34 лет, в 1955-м), но, вопреки распространенному мнению, познакомил Дэвиса с наркотиками не он.

Кто бы это ни был, зависимость Майлза развивалась быстро — и прочим веществам он в первой половине 1950-х предпочитал героин. Всему виной, по его словам, скука, депрессия, в которую он погрузился по возвращении из Парижа, и тоска по Жюльетт Греко, которая осталась во Франции.

Его зависимость стала достоянием широкой общественности в 1953-м (журналиста, который об этом написал, Дэвис так и не простил), хотя к этому моменту жизнь музыканта уже катилась под откос: записи и выступления были спорадическими, по его воспоминаниям, «из милого, тихого, честного заботливого человека он превратился в нечто прямо противоположное», ушел от жены и детей.

В конце концов, зависимость стала негативно отражаться на его способностях как музыканта, а денег, получаемых от выступлений, перестало хватать на приобретение новых доз, так что Дэвис стал подрабатывать сутенерством. К счастью, у него хватило силы воли остановиться: в 1953-м он уехал в Сент-Луис, подальше от легко доступных в Нью-Йорке дилеров и веществ, и заперся в отцовском доме, чтобы пережить ломку.

К 1954-му ему удалось взять зависимость под контроль и вернуться к работе в Нью-Йорке. Это не означало, конечно, что с зависимостями было покончено навсегда: Дэвис продолжал пить и употреблять кокаин, а позже к ним присоединились болеутоляющие. Это разрушило несколько его браков и подорвало здоровье, но при этом не помешало в 1959-м записать тот самый упоминавшийся выше альбом Kind of Bluе и много другой прекрасной музыки. Одна из самых известных его композиций, открывающая Kind of Blue, как будто нарочно отвечает на все эти беды «Ну и что с того».

Он и вправду несколько раз изменил джаз и всю современную музыку

Майлз Дэвис имел самое непосредственное отношение к развитию джаза в 1950–70-е годы — и преуспел в каждом из доминировавших в тот период стилей. Конец сороковых — начало пятидесятых — время торжества бибопа, стиля, предполагающего исполнение в высоком и сверхвысоком темпе, сложные импровизации, обыгрывание последовательностей аккордов, а не мелодии.

Это была «горячая» музыка, исполняемая высокопрофессиональными музыкантами для стойких и подготовленных слушателей. Даже если на записях Майлза Дэвиса она сегодня звучит вполне мягко — это своего рода перевод с языка бибопа на общечеловеческий, выполненный музыкантом.

Начав пятидесятые с примерно такой музыки Дэвис постепенно мигрирует в направлении кул-джаза — «охлажденного» в противовес горячем бибопу, менее эмоционального, более композиторского — это слышно уже на упомянутом альбоме Birth of the Cool. Альбом же Kind of Blue ознаменовал переход Дэвиса к модальному джазу, в котором музыкальной основной является не смена гармоний, а звуковые сочетания внутри лада, благодаря чему импровизация может строиться фактически в рамках одного аккорда.

Всего год спустя Дэвис выпускает альбом Sketches of Spain — аранжировки и переложения испанской народной и академической музыки. На альбоме 1967-го года Miles Smiles мы слышим внезапный дрейф в сторону хард-бопа (это как бибоп, но жестче) и авангарда. А в 1969-м альбом In a Silent Way открывает новую эру джаза — эру соединения джаза и рока, использования электрических инструментов и перехода к тому, что что сегодня называется фьюжен.

Следующий альбом Майлза Дэвиса — Bitches Brew (1970) — станет очередным краеугольным камнем нового стиля. В восьмидесятые электрификация джаза сменится электронизацией — на альбоме Tutu Дэвис станет обильно использовать драм-машины и синтезаторы — всё то, что характеризует музыку 1980–90-х.

Кажется, нет таких стилей современной музыки, в которых не отметился бы Майлз Дэвис. Казалось бы, где он и где стиль амбиент? Но 32-минутная (!) пьеса «He Loved Him Madly» с альбома Get Up With It 1974 года, посвященная памяти умершего незадолго до выхода альбома Дюка Эллингтона, очень даже напоминает длинные и нарочито бессодержательные образцы амбиента, как раз оформлявшегося в отдельный стиль именно в то время и получивший свое название с легкой руки британца Брайана Ино.

Он был образцом не только в музыке, но и в некоторых других аспектах

После выхода Kind of Blue Дэвис стал одним из самых высокооплачиваемых музыкантов в мире. Если в 1960-е звезды джаза уровня Джона Колтрейна и Кэнноболла Эддерли получали примерно 350–400 долларов в неделю за выступления в клубах (свыше 3000 сегодняшних долларов с учетом инфляции), Дэвису за то же платили в десять раз больше.

Уже только за счет этого он мог бы стать ориентиром и примером для следующего поколения музыкантов-афроамериканцев, которые еще долго не будут зарабатывать столько же, сколько белые жители США. И даже несмотря на то, что вредные привычки, зависимости, разгульный образ жизни и проблемы со здоровьем нередко истощали кошелек музыканта, к концу жизни его состояние тем не менее составляло порядка 19 млн долларов.

Помимо этого, Дэвис долгие годы оставался иконой стиля. Чувство стиля он унаследовал от матери и с ранних лет старался одеваться хорошо, даже если качественные костюмы приходилось покупать в секонд-хендах. А когда деньги перестали быть проблемой, белоснежные рубашки, дорогие элегантные костюмы и обувь стали фирменным знаком Дэвиса.

Причем, по воспоминаниям очевидцев, безупречный внешний вид ему удавалось сохранять не только на сцене, но и после концертов, когда появлялась возможность расслабиться. К концу шестидесятых, впрочем, строгие костюмы уступили место более необычной, можно даже сказать, неконвенциональной одежде. Тем не менее Дэвис всегда старался выглядеть модно.

В семидесятые он исчез, чтобы потом вернуться

Первая половина семидесятых стала непростым временем для Дэвиса. Его донимали проблемы со здоровьем, усугубленные никуда не девшимися зависимостями (к которым присоединилась безудержная страсть к сексу). При этом Дэвис еще играл на сцене и ездил на гастроли по всему миру, что может за несколько лет измотать и совершенно здорового человека.

К 1975 году, по признанию музыканта, «секс и наркотики заняли место музыки и заполнили всю жизнь». Поэтому, выступив на двух фестивалях летом 1975-го, он закрылся у себя дома в Нью-Йорке и почти не показывался на публике, перенес очередную операцию (по замене сустава), а в те редкие дни, когда возвращался в студию, почти не брал в руки трубу. Одно время по Нью-Йорку даже ходили слухи, что Дэвис при смерти или даже умер.

Заслуженный отдых занял примерно пять лет. Впервые после длительного перерыва Дэвис появился в студии в мае 1980-го и уже через день после этого снова отправился в больницу с инфекцией ноги. В конце концов, однако, он постепенно вернулся в строй и стал работать над новыми альбомами, а в 1982 году, перенеся после очередного запоя легкий инсульт, который на некоторое время лишил его владения правой рукой, Дэвис окончательно отказался от алкоголя и наркотиков. И поехал в тур по миру. Вот, например, фрагмент концерта 1985 года в Японии, где он исполняет джазовое переложение песни поп-певицы Синди Лопер «Time After Time».

Он до конца своих дней стремился оставаться актуальным

В восьмидесятые Дэвис активно интересовался новыми направлениями современной музыки и обсуждал сотрудничество с рок- и поп-исполнителями, хотел записать альбом джазовых переложений популярных песен тех лет (эта идея так и не была воплощена, хотя пара песен типа той, что Дэвис играет на предыдущем видео, таки оказалась на одном из альбомов последнего десятилетия его жизни).

Очевидно, что и с хип-хопом Дэвис не мог разминуться: идея записать альбом с привлечением хип-хоп музыкантов появилась у него, когда он сидел в своей нью-йоркской квартире и слушал шум улиц. И хотя работа над этим альбомом, которая велась, не была осуществлена и закончена в полной мере из-за за смерти Дэвиса в сентябре 1991-го, альбом все же был выпущен посмертно, в 1992-м, под название Doo-Bop. Критикам он не понравился, но все-таки получил премию «Грэмми» как лучшая инструментальная R&B-запись года."(с)

ПО ТЕМЕ:
6 версий, объясняющих таинственное исчезновение легенды джаза Гленна Миллера.
Рабский труд и рождение хита: как в США появился шахтерский фолк
Морна с Кабо-Верде: как Сезария Эвора открыла миру острова Зеленого Мыса и их традиционные песни.
Душа, которая поет: как взошла звезда Эдит Пиаф.
Вечные хиты: 12 самых популярных песен в истории человечества.
Главная Пташка джаза: 9 мифов о Чарли Паркере.
Секрет хита на все века: как наследие композиторов эпохи барокко по сей день влияет на мировую музыкальную индустрию.
Где живет джаз: 15 главных джазовых точек на музыкальной карте мира.
Сверхчеловек: на одной ноте.
От ритмов суфийских аскетов к болливудским саундтрекам: как возник музыкальный феномен каввали.
«Брат по духу номер один»: как певец Джеймс Браун прошел путь от мелкого воришки до суперзвезды соула.
Источник: https://www.vokrugsveta.ru/articles/bop-kul...evise-id656263/

На Музыкальном форуме сайта "СН" открыта тема Заменит ли искусственный интеллект Монарта и Баха?

(Книгочей @ 16-06-2023 - 10:36)
На Музыкальном форуме сайта "СН" открыта тема Заменит ли искусственный интеллект Монарта и Баха? "Тогда придите — и рассудим."(с) - "Библия", Книга пророка Исаии 1:18. К сему: А здесь обсуждать не будем.

Это сообщение отредактировал Книгочей - 16-06-2023 - 10:40

(Книгочей @ 16-06-2023 - 10:38)
(Книгочей @ 16-06-2023 - 10:36)
На Музыкальном форуме сайта "СН" открыта тема Заменит ли искусственный интеллект Монарта и Баха?"Тогда придите — и рассудим."(с) - "Библия", Книга пророка Исаии 1:18. К сему: А здесь обсуждать не будем.
Нейросети генерируют музыку: как это работает и где попробовать самостоятельно: "ИИ обучили создавать саундтреки по текстовому описанию.

]В последние несколько лет нейросети все сильнее проникают в творческие области. Они уже впечатляюще генерируют тексты и картинки, а теперь пришло время музыки.

В 2023 году показали сразу три алгоритма, которые генерируют музыку по текстовому запросу. Раньше нейросети могли только дополнять уже готовые треки или создавать их на основе заданной мелодии.

Эксперты предрекают, что ИИ упростит работу музыкантам и создателям спецэффектов, но компании опасаются выкладывать в открытый доступ сервисы, обученные на реальной музыке. Рассказываем, что происходит в индустрии и где уже сейчас можно попробовать сгенерировать трек самостоятельно.

Что вы узнаете
Как нейросети создают музыку
Что «музыкальные» нейросети умели раньше
Что «музыкальные» нейросети умеют теперь
Какие «музыкальные» нейросети можно попробовать уже сейчас."(с)

Далее на источнике: https://journal.tinkoff.ru/ai-music-is-here/

Список лучших нейросетей для работы с музыкой: "Современные технологии искусственного интеллекта позволяют машинам выполнять множество задач, которые ранее были доступны только человеку. Одной из таких задач является создание музыки. Многие люди сомневаются, что машина может создавать настоящее музыкальное искусство, но существует ряд нейросетей, способных создавать музыку, которая звучит так, будто ее создал человек. В этой статье мы рассмотрим список лучших нейросетей для работы с музыкой и попытаемся разобраться, сможет ли машина достичь уровня Вивальди и Джими Хендрикса

Процесс создания мелодий схож с творчеством картин с нуля. Если алгоритмы обучить на основе творчества Beatles, то на выходе получатся музыкальные композиции, похожие на стиль этой британской рок-группы. Каждый новый трек, изученный алгоритмом, добавляет в его память новый шаблон, который пополнит базу данных и поможет создать подобную запись или скрестить ее с другими треками. Эти же принципы использовались для обучения нейронных сетей созданию изображений, изучая работы художников.

Топ 5 сервисов для создания музыки: .


1. AIVA. Способности искусственного интеллекта (ИИ) в создании музыки для рекламы, видеоигр, фильмов и других медиа продолжают развиваться. Одним из выдающихся создателей музыки с помощью ИИ является AIVA, которая была создана в 2016 году и продолжает привлекать внимание своими достижениями. AIVA уже выпустила свой альбом и создала музыку для видеоигры, а ее первой публикацией стало произведение "Opus 1 for Piano Solo". Благодаря ‘этой нейросети, пользователи могут создавать собственную музыку и версии уже существующих треков, освобождаясь от забот о лицензировании музыки. Выбрав предустановленный стиль, AIVA упрощает создание гармонии в различных жанрах и стилях. Таким образом, вы можете использовать AIVA для создания оригинальной музыки и внесения изменений в современную музыкальную индустрию.

2. MuseNet — это музыкальный генератор, созданный компанией Open AI, известной своей нейросетью ChatGPT, которая пишет тексты. MuseNet способна генерировать композиции, используя множество различных инструментов и в разных жанрах и стилях. Однако MuseNet от OpenAI обладает еще одним уникальным свойством - он может имитировать творчество известных композиторов, включая Моцарта, а также создавать музыку в стиле лучших современных музыкантов. Инструмент использует глубокую нейронную сеть, которая обучается на данных, полученных из интернет-источников, что позволяет ему анализировать музыку на протяжении длительного времени. Важно отметить, что хотя MuseNet имеет большое количество сэмплов на Soundcloud, и вы можете наслаждаться музыкой, созданной ИИ, на данный момент он не позволяет создавать собственные музыкальные композиции.

3. Soundraw - ещё одна примечательная нейросеть, которая помимо прочего позволяет изменять песню с помощью фраз, созданных искусственным интеллектом. Программа объединяет возможности ИИ и ручные инструменты, что значительно облегчает процесс создания и изменения музыки. Опция настройки на платформе позволяет точно настроить музыкальную композицию и дает возможность для импровизации. Хотя генератор песен доступен для всех пользователей, для неограниченных загрузок потребуется подписка.

4. Soundful использует всю мощь искусственного интеллекта, чтобы создавать бесплатную фоновую музыку для ваших видеозаписей, потоков, подкастов и других проектов всего лишь одним кликом кнопки.

Процесс разработки был упрощен до максимума, поэтому все действия очень интуитивно понятны: выберите жанр, настройте входные данные и создайте свой уникальный трек. Можно повторять этот процесс столько раз, сколько необходимо, пока не будет найден идеальный вариант под ваше видео.

Главное достоинство Soundful заключается в уникальности создаваемой музыки. Алгоритмы Soundful изучаются нота за нотой с помощью знаменитых продюсеров и звукорежиссеров, чтобы создать неповторимые мелодии. Более того, благодаря использованию одноразовых сэмплов, обученных теории музыки, ИИ Soundful никогда не повторит уже существующую песню или созданный ранее трек.

Пользователи могут выбрать из более чем 50 шаблонов разных жанров, чтобы создать свою идеальную музыку.

5. Imaginary Soundscape это пожалуй, самая необычная в списке. Imaginary Soundscape позволяет преобразовывать изображения в соответствующий звуковой пейзаж, определенный нейросетью.

Когда на изображении, загруженном в Imaginary Soundscape, присутствует объект, который может быть распознан нейросетью, система автоматически добавляет соответствующий звуковой эффект в создаваемую композицию. Разработчики приложения предлагают опробовать его возможности на уже доступных на сайте проекта живописных картинах в качестве демонстрации.

Более того того, Imaginary Soundscape может распознавать фотографии улиц и подбирать соответствующее звуковое оформление."(с)

Ссылки в тексте на источнике: https://vc.ru/s/1420039-neyroseti/675921-sp...aboty-s-muzykoy

(Книгочей @ 16-06-2023 - 10:36)
На Музыкальном форуме сайта "СН" открыта тема Заменит ли искусственный интеллект Монарта и Баха?
К этой теме: ИИ возродил группу «Битлз»: "Когда The Beatles разошлись более 50 лет назад, музыкальный мир остался в трауре. Теперь искусственный интеллект «воссоединил» ливерпульскую четверку, создав новые песни «Битлз», которые звучат так, как будто они были записаны за время их десятилетнего творческого пребывания.

Создатель этих новых треков, Дэ Лимс , взял несколько песен выживших участников Beatles Пола Маккартни и Ринго Старра и использовал искусственный интеллект, чтобы добавить недостающие голоса других участников группы, Джона Леннона и Джорджа Харрисона.

Одна кавер-версия AI на сингл Пола Маккартни 2013 года «New» включает омоложенный вокал Маккартни, а также бридж, «спетый» покойным Джоном Ленноном. «Я рыдаю! Это так красиво!!!" — написал слушатель в комментарии на YouTube.

Не менее впечатляющим является версия «Grow Old With Me», одной из последних песен, написанных Ленноном, которая была выпущена посмертно после его убийства в 1980 году и недавно переделана Дэ Лимсом.

Благодаря улучшенному качеству звука и гармонизированному бэк-вокалу, напоминающему о временах расцвета ливерпульских рокеров, песня звучит тревожно впечатляюще. Для неподготовленного уха это звучит почти так, как будто эта песня могла быть отрывком из их последнего альбома 1970-х годов «Let It Be».

Однако назревает судебное разбирательство.

Создатель этих видео удалил несколько своих видео со своей платформы из-за жалоб правообладателей.

На момент написания Дэ Лимс сделал большую часть своих видео приватными, и остались только две песни Beatles: «Grow Old With Me», написанная Джоном Ленноном, и «It Don't Come Easy» Ринго Старра.
В этом нет ничего удивительного, поскольку этические и юридические последствия весьма значительны. В настоящее время для такого рода творчества по-прежнему требуются серьезные ноу-хау в области ИИ, но это только вопрос времени, когда более простые инструменты станут доступны широкой публике; это может создать серьезные проблемы с авторскими правами.

Если артистам платят за вокальные лицензии, значит, все делается по правилам. Однако что происходит, когда артистов, о которых идет речь, больше нет с нами? Что тогда происходит с точки зрения авторского права и как это можно модерировать?"(с)

Источник: https://kulturologia.ru/news/7940/

Изгиб гитары жёлтой: как в СССР появилась бардовская песня и куда она ушла: "Бардовское движение в Советском Союзе формально не было диссидентским. Но все же песни, которые исполняли «бородато-свитератые» авторы, позволяли слушателям убежать из советской казёнщины в живой человеческий мир."(с) Далее: https://www.novochag.ru/obshchestvo/people-...orskuyu-pesnyu/

(Книгочей @ 01-08-2023 - 09:27)
"Изгиб гитары жёлтой: как в СССР появилась бардовская песня и куда она ушла."(с)
Действительно, куда она ушла? К сему:

"Феномен российской культуры, определяемый как «бардовская песня», успешно преодолел кризис, случившийся в период перестройки. Получение населением доступа к ранее запрещенным или полулегальным текстам нигде не публиковавшихся песен развенчало многих искренних, но малопрофессиональных их творцов.
На арену вышли поющие поэты, которые оказались востребованы в рыночной экономике, для которых авторская песня оказалась оплачиваемой профессиональной деятельностью. Хорошие стихи дополнились неплохим музыкальным сопровождением, а в текстах новых песен бардов зазвучали политические мотивы.
Еще одна заслуга современных российских бардов – это продуцируемый ими смех, который позволяет не только легко расставаться с ложными идеалами недавнего прошлого, но и не воспринимать всерьез ошибочные решения современных политиков.
Политическая бардовская песня при отсутствии государственной цензуры перестала быть советским «кукишем в кармане», но и не перешла в разряд российских музейных экспонатов."(с) "Политические аспекты бардовской песни в современной России". Источник: https://mirros.hse.ru/article/view/5233

(Книгочей @ 01-08-2023 - 09:32)
"Феномен российской культуры, определяемый как «бардовская песня», успешно преодолел кризис, случившийся в период перестройки. Политическая бардовская песня при отсутствии государственной цензуры перестала быть советским «кукишем в кармане», но и не перешла в разряд российских музейных экспонатов."(с)
Жанр бардовской песни в современных условиях: "Авторская или «бардовская» песня - современный жанр устной поэзии («поющаяся поэзия»), сформировавшийся на рубеже 50-60-х гг. XX века в неформальной культуре студенчества и молодых интеллектуалов.

Сама по себе «поющаяся поэзия» - древнейший вид творчества, известный культурам едва ли не всех народов, и не случайно исполнителей авторской песни часто называют «бардами». Как известно, в древности бардами называли поэтов и певцов, которые сами исполняли свои стихи под собственный аккомпанемент на струнном инструменте (чаще всего - гитаре). Однако это всё же внешние, и к тому же не всегда обязательные, признаки жанра.

Суть бардовской или авторской песни вовсе не в «авторском праве» на стихи, мелодию и исполнение, а скорее - в праве на утверждение песней авторской - т. е. самостоятельной (от греч. autos - сам) - жизненной позиции, авторского мироощущения и в праве самому, без посредников и потерь, донести смысл высказывания до слушателя, используя весь спектр средств устного общения - слово, музыкальную интонацию, тембр голоса, артикуляцию, мимику, жест и т. п.

Каждой такой песней автор как бы говорит: это - я, это - мое, сокровенное, никем не внушенное, и такие песни рождаются спонтанно, как свободная реализация потребности высказаться, поделиться тем, что наболело. Как поется в одной из песен того же Окуджавы, «каждый пишет... как он дышит... не стараясь угодить...» Такие песни не пишутся «на потребу», в расчете на сбыт - они рождаются... Личностное начало пронизывает авторскую песрю и определяет в ней все - от содержания до манеры преподнесения, от сценического облика автора до характера лирического героя.

И в этом смысле современная «поющаяся поэзия» - искусство глубоко интимное, даже исповедальное. Мера доверия и открытости значительно превосходит здесь нормы, допустимые в профессиональном творчестве. Само собой разумеется, такая песня, в отличие от массовой эстрадной продукции, адресована далеко не всем и каждому. Она обращена лишь к тем, кому автор доверяет, кто настроен в унисон с ним, готов разделить его мысли и чувства или, по крайней мере, душевно расположен к нему.

Отношения между автором и слушателями здесь вряд ли можно назвать концертными. Поэт-певец не отделяет себя от аудитории, строго говоря, он не «исполняет» песню, не «демонстрирует» себя и свое творчество слушателям, а ведет с ними доверительный разговор по душам, рассчитывая на ответную реакцию. Атмосфера взаимного доверия и взаимопонимания, возникающая в ходе такого «разговора», переживаемое всеми присутствующими чувство общности, сопричастия является сущностным признаком авторской песни, позволяющим видеть в ней особую «форму духовного общения единомышленников». Родившись в тесных дружеских компаниях, авторская песня является, по сути, не концертным, а бытовым жанром и изначально рассчитана на теплоту неформального общения в кругу «своих». Такой круг может быть достаточно обширным (о чем свидетельствуют многотысячные аудитории фестивалей бардовской песни), но при этом сохранять неформальный характер. В оптимальном варианте аудитория, превышающая «критическую массу», должна состоять как бы из множества дружеских компаний, сознающих свою духовную общность, свою принадлежность к особому социальному слою, к «своим».

С этим связаны определенные сложности концертного бытия авторской песни. Ей в принципе противопоказаны сцена, праздничный официоз концертного зала, любая формализованная публичность, любая дистанция между участниками песенного общения, создаваемая рампой. Искусство концертного исполнения авторской песни во многом состоит именно в преодолении «эффекта рампы», в минимизации неизбежной дистанции. Этому служит не только сама песня с ее доверительной интонацией, безыскусной музыкальной и поэтической лексикой, но и непрофессиональный, обыденный, как у всех, голос автора, подчеркнуто обыденная одежда, свободная манера общения с залом, комментарии к песням и т. п.

Обостренно-личностный характер авторской песни, органически присущий ей нонконформизм, ее неангажированность, неуправляемость, наконец - способность консолидировать вокруг себя обширный круг неравнодушных к жизни, «думающих» людей - все это сделало ее не столько художественным, эстетическим, сколько социокультурным явлением. Это и предопределило ту особую роль, которую авторская песня сыграла в глобальном процессе смены ценностных ориентаций, характерным явлением для 50-70-х гг. ХХ века.

Собственно говоря, авторская песня и была порождена этим процессом, став одной из наиболее действенных форм самосознания и самовыражения «шестидесятников» - того социально-активного поколения молодых интеллектуалов, которое в этот период вступало в жизнь.

На Западе взрыв творчества «поющих поэтов» (Жорж Брассенс, Жак Брель, Боб Дилан, Джоан Баэз, Джон Леннон и др.) совпал с ростом «антибуржуазных» настроений, студенческими волнениями и антивоенными выступлениями 60-х гг. В России же формирование авторской песни самым непосредственным образом было связано с хрущевской «оттепелью».

Речь идет прежде всего о начавшемся тогда процессе реабилитации самоценности личности, процессе, о котором Е. Евтушенко позже скажет: «Прорастают всюду Лица у безликих на лице». С этим тесно связаны легализация и необычайно широкое распространение в среде молодых интеллектуалов так называемых «дружеских компаний», дополнивших разношерстные и разновозрастные дворовые компании детства и отрочества. Такие внутренне свободные малые группы, спаянные личными отношениями, успешно противостояли официальным формам коллективности и, по сути своей, были естественной средой формирования и реализации личностных качеств, не находивших применения в публичной жизни. Характерный для того времени взрыв самодеятельного туризма и альпинизма также был вызван все теми же потребностями становления личности, а отнюдь не внезапно вспыхнувшей тягой к познанию красот природы.

В таких дружеских компаниях действовали свои законы и своя система ценностей, которая диктовала и свой способ выражения. Частично это сделала «молодая поэзия», раньше других сумевшая воплотить новое мироощущение и возродившая ценность неподцензурного устного слова, ценность прямого общения. Но основной формой группового самосознания стала авторская песня, которая своей интонацией смогла выразить эмоциональную доминанту нового кодекса поведения - доверие. И если «молодая поэзия» дала ей мысль, то свою главную специфическую черту - доверительную интонацию - она обрела в музыке быта.

В музыкальном отношении бардовская песня опиралась на тот слой расхожих, легко узнаваемых и любимых интонаций, который бытовал в среде ее обитания и складывался из самых разнообразных источников. Среди них - бытовой романс, студенческий и дворовый фольклор (в том числе и блатная песня), народная песня, популярная танцевальная музыка, песни советских композиторов и т. п.

Особую роль в подготовке интонационной почвы бардовской песни сыграли песенные миниатюры А. Вертинского, лирика военных лет, безыскусное кинопение М. Бернеса, «задумчивый голос Монтана», который впервые в 1957 г. познакомил нас с современным французским шансоном. Отсюда, из этого всегда находящегося на слуху и постоянно пополняющегося интонационного словаря черпали свои незамысловатые мелодии, нимало не заботясь об их оригинальности, поэты-певцы «первой волны» - А. Галич, Б. Окуджава, Ю. Визбор. Среди них не было ни одного музыканта-профессионала. Более того - лишь единицы могли причислить себя к профессиональному поэтическому цеху. В основном же это студенты, молодые учителя, инженеры, ученые, журналисты, актеры, спортсмены - представители той среды, в которой возникла и для которой существовала бардовская песня. Они пели о жизни, о том, что волновало их сверстников.

Излюбленные герои их песен - альпинисты, геологи, моряки, летчики, солдаты, спортсмены, циркачи, бедовые «короли» городских дворов и их подруги - люди не просто мужественные и рисковые, но прежде всего личности.

Эти герои немногословны, сообразительны, ироничны, по-своему нежны, но главное, они верны, надежны, на них можно положиться, им можно доверять. Это - персонифицированные групповые ценности. В то же время они легко узнаваемы: это - ребята «с нашего двора», «с нашего курса», «из нашей компании», а потому они убедительны, легко идентифицируются и с личностью автора, и с каждым из слушателей. И в этом, по-видимому, заключается один из секретов глубокого консолидирующего воздействия авторской песни.

В развитии бардовской (авторской) песни можно выделить несколько этапов. Первый, бесспорным лидером которого стал певец «детей Арбата» Б. Окуджава, продолжался примерно до середины 60-х гг. и был окрашен неподдельным романтизмом, созвучным не только возрасту аудитории, но и господствовавшему в обществе настроению. Эйфорией социального оптимизма был охвачен тогда едва ли не весь мыслящий слой общества, не говоря уже о молодежи, - и это настроение не могла не отразить А.П. Отсюда - ее светлое, в целом, мироощущение, лиризм, беззлобный юмор, в большинстве своем напевная (даже в маршах), романсная по происхождению интонация. Но главной сферой реализации романтического начала была, условно говоря, «песня странствий» с центральными для нее образами-мифологемами друга /дружбы и дороги/пути как «линии жизни» - пути испытаний и надежд, пути к себе, пути в неизведанное. «Песня странствий» (неточно называемая «туристской») была главным, определяющим пластом песенного творчества тех лет и охватывала широкий жанровый диапазон - от философской лирики до шутки, от незамысловатой «костровой» до хрупких романтических песенных фантазий. Этот пласт был пронизан единым эмоциональным посылом - «Счастлив, кому знакомо / Щемящее чувство дороги» (И. Сидоров).

На этом этапе бардовская песня практически не выходила за пределы породившей ее среды, распространяясь «от компании к компании» изустно или в магнитофонных записях. Публично она исполнялась крайне редко и, опять- таки, почти исключительно «в своем кругу» - в самодеятельных студенческих «обозрениях», «капустниках» творческой интеллигенции.

Ни своим содержанием, ни своим эпосом она пока что не беспокоила власти, и они почти не обращали на нее внимания, считая безобидным проявлением самодеятельного творчества, элементом интеллигентского быта. Так оно, по существу, и было.

Особняком стояли исполненные горечи и иронии песни А. Г алича, который уже в начале 60-х гг. обратился к резкой критике существующего строя, поражавшей неслыханной до того смелостью и откровенностью.

Положение изменилось уже к середине 60-х гг. Сначала «заморозки», а затем долгая и суровая идеологическая «зима», начавшаяся разгромом «пражской весны», похоронили все надежды на «социализм с человеческим лицом» и намечавшуюся гуманизацию общественной жизни.

Социальный оптимизм сменился апатией, цинизмом или же социальной шизофренией - расщеплением сознания (интеллигенции прежде всего) на публичное, вынужденное следовать общественным нормам, и частное, приватное, предназначенное для «внутреннего» употребления, для «своих». Причем именно последнее стало средоточием духовной жизни личности. В соответствии с этим необычайно возросла роль неофициальной культуры, которая наполнилась богатым содержанием и приобрела невиданное ранее значение единственно доступного островка духовной свободы. В этой, ставшей катакомбной, культуре (поздне е- «андерграунд») билась живая мысль, здесь нашла прибежище «внутренняя эмиграция». Свободная по самой своей природе бардовская песня тут же стала важной и самой демократичной частью и формой такой культуры. Как известно, «поэт в России - больше, чем поэт». Поэт-певец - тем более. И если устная, публично читаемая авторами поэзия вскоре так или иначе была интегрирована официальной культурой или, по крайней мере, поставлена под жесткий контроль, то «поющаяся поэзия», не требовавшая для своей публикации никаких иных средств, кроме голоса поэта и гитары, а для распространения - любительского магнитофона, на протяжении всего этого периода (середина 60-х - начало 80-х гг.) оставалась свободной, несмотря на запреты и преследования властей. Более того, как раз в эти годы она стала собственно бардовская песня, обрела зрелость и жанровую определенность, поднялась до явления высокой культуры, оставив далеко позади породившую ее доморощенную самодеятельную песню, а голос поэта превратился в голос совести больного общества, который, в конце концов, был услышан всеми.

Сознавая огромную силу воздействия авторской песни, власти перешли к прямому ее преследованию. Перед поэтами-певцами наглухо закрылись двери концертных организаций, издательств, радио- и телестудий, их изгоняли из творческих союзов, выталкивали в эмиграцию (А. Г алич), всячески поносили в печати и т. д.

В результате официально бардовская песня как бы не существовала: она не звучала на концертной эстраде, ее не передавали по радио и ТВ, не было грампластинок с ее записями. Лишь изредка, «по недосмотру», прорывалась она в отдельные кинофильмы и спектакли, да и то, главным образом, в качестве «фоновой» музыки. И в то же время она была неотъемлемым элементом каждодневного бытия. Благодаря «магнитоиздату» - исторически первой и самой доступной форме «самиздата» - она была повсюду, ее знали, пели, слушали, переписывали друг у друга. Наряду с запретами власти попытались овладеть ею изнутри, взяв под «крышу» комсомола стихийно возникавшие повсюду «клубы самодеятельной (первоначально - студенческой) песни» (КСП). Но, как и в случае с джазовыми клубами и кафе (а позднее - с рок-клубами), это привело, скорее, к обратным результатам. И чем сильнее и изощрённее было административное давление, тем свободнее, откровеннее становилась бардовская песня, питавшаяся энергетикой осознанного противостояния. Все пронзительнее звучит ностальгия по прошлому, горечь потерь и предательств, стремление сохранить себя, свои идеалы, редеющий дружеский круг, тревога перед будущим. И если на предыдущем этапе ведущую роль играла «песня странствий», то здесь таковой стала «песня протеста».

Своего гениального выразителя, эстетика «песни протеста» - протеста против абсурдности «совкового» существования, против самого этого больного общества обрела в В. Высоцком, ставшем поистине всенародным поэтом. В нем счастливо соединились необходимые для этого качества - поэтический дар, острый ум, актерский талант, мужественная внешность, насыщенный неукротимой энергией, предельно «мужской» по тембру хриплый голос и многое другое, что позволило ему придать бардовской песни совершенно новый облик. Необычайно расширился интонационный словарь, в котором есть все - от традиционной народной песни до рока, от цыганского романса и блатной песни до брехтовского зонга, и главная его интонационная находка- распевание согласных, создающее особо выразительную энергетику высказывания.

Обогатился и поэтический язык, который включил в себя обширный пласт сниженной лексики. И это - лишь некоторые новаторские черты его творчества, многократно растиражированные последователями, среди которых просматриваются разные по значимости фигуры В. Цоя, Ю. Шевчука, К. Кинчева и др.

С начала 90-х гг., после непродолжительного взрыва всеобщего интереса к бардовской песни как ко всему, недавно еще запрещенному, ее развитие переходит в спокойное, теперь уже легальное русло. Растет число «поющих поэтов» и их исполнительское мастерство, множится количество их профессиональных организаций, концертов, фестивалей, продаваемых кассет и дисков; оформляется даже своеобразная «классика» авторской песни (популярные альбомы «Песни нашего века»). Но в творческом отношении не происходит ничего принципиально нового. Вместе с легализацией катакомбной культуры и исчезновением столь плодотворного для «песни протеста» ощущения «сопротивления материала», исчез и творческий импульс ее развития. Перестав быть социально значимым явлением, она практически ушла из обихода.

По-новому высветилась непреходящая значимость таких традиционных для авторской песни ценностей, как дружба, доверие, взаимопонимание, любовь. В этом направлении в жанре любовной и философской лирики, сдобренной изрядной долей юмора, работают и «ветераны», и более молодые «барды». Все они, так или иначе, эксплуатируют в своем творчестве некогда найденные приемы. Гораздо большие новаторские потенции обнаруживает иное направление современной авторской песни - песня ироническая и песня-пародия, в которых органично совмещается, казалось бы, несовместимое: цитаты из Чайковского, Грига, Бородина, русских народных песен с интонациями блюза, кантри, китайской и арабской музыки; многочисленные реминисценции, аллюзии и прямые отсылки едва ли не ко всему репертуару мировой литературы.

Впрочем, эта причудливая и острая постмодернистская смесь, являющая собой какой-то совершенно новый жанр авторской песни, может быть по достоинству оценена лишь очень узкой и хорошо подготовленной аудиторией.

А для основной группы исполнителей и слушателей бардовской песни остаётся главным и наиболее ценным задушевность общения посредством незатейливых мелодий и ярко выразительных стихов, понятных и доступных каждому, возможность свободного высказывания, ощущение сопричастности к современному обществу.

Список литературы:

Анелькин В. «Люди идут по свету». Туристический фестиваль авторской песни. Книга-концерт / авт.-сост. В. Анелькин. - М.: Физкультура и спорт, 1990. - 399 с.

Балабан О.В. Импровизация как средство постижения народной музыкальной культуры // Мир науки, культуры, образования. - Горно-Алтайск. - №2 (51). - апрель 2015. - С. 125-131.

Новиков В.И. Авторская песня. Книга для ученика и учителя / авт.-сост. В.И. Новиков. - М.: Олимп; АСТ, 1997. - 512 с.

Фольклор. Вопросы теории фольклора. - Л.: Наука, 1980 г.

Автор Балабан Ольга Викторовна научный руководитель, профессор кафедры вокала и хорового дирижирования Института культуры и искусств Г АОУ ВО «Московский городской педагогический университет».(с)
Источник: http://arbir.ru/miscellany/U18S908E57541-%...%B8%D1%8F%D1%85

ПО ТЕМЕ 7 пластинок, чтобы разобраться в актуальной музыке: "Современная музыка отпугивает всех — и старожилов, и новичков. Во-первых, ее много; во-вторых, трудно найти что-то приятное и запоминающееся; в-третьих, не у кого спросить. MAXIM дает краеугольные ориентиры с описанием."(с) См. с видео: https://www.maximonline.ru/entertainment/7-...uzyke-id917377/

О роли и значении музыки и песни.На злобу дня: "На фоне войны Израиля с ХАМАС в мире зафиксирован всплеск антисемитизма."(с) СМИ. К сему: ВИДЕО Высоцкий о еврейском вопросе.

Известно что некоторые советские песни вызывали удивление. Например, такие где были слова "Мой адрес не дом и не улица, мой адрес Советский Союз", что могли с полным правом утверждать БОМЖи. Или слова "стройотряд словно степной пожар" явно ассоциировали со стихийным бедствием. А почему подобное одобрялось тоже не секрет. К сему: ВИДЕО Конкурс социалистической песни — "Уральские Пельмени" : "Поездка на конкурс социалистической песни в Болгарию почти в кармане. Осталась последняя инстанция. Справимся?"(с)

Какие времена, такие и песни. К сему: ВИДЕО התקווה - ההמנון הלאומי של ישראל בגרסה חשמלית / Hatikvah - Israeli National Anthem.

Есть тема "Очевидное - Невероятное", но сюда больше подходит что Концерт Тейлор Свифт вызвал «землетрясение»: "Ученые зафиксировали сейсмическую активность магнитудой 2,3.

Американские ученые зафиксировали сейсмическую активность в Сиэтле во время концерта The Eras Tour поп-звезды Тейлор Свифт. Об этом пишет CNN.

По словам сейсмолога Джеки Каплан-Ауэрбах, поклонники певицы вызвали сейсмическую активность, эквивалентную землетрясению магнитудой 2,3. Он отметил, что собрал несколько часов данных, которые показывают ритм движения и поведение фанатов на концерте.





Подобный случай произошел в Казани во время выступления исполнителя Макса Коржа в 2019 году. Тогда жители нескольких домов пожаловались на вибрации и толчки в квартирах — у них шатались дверцы шкафа, тряслись люстры и дребезжала посуда. Прибывшие сотрудники МЧС установили, что эпицентр толчков находился в Ледовом дворце спорта «Татнефть Арена», расположенного рядом с домами."(с) Источник: https://snob.ru/news/koncert-tejlor-svift-v...zemletryasenie/

(Книгочей @ 17-12-2023 - 22:59)
Есть тема "Очевидное - Невероятное", но сюда больше подходит что Концерт Тейлор Свифт вызвал «землетрясение»: "Подобный случай произошел в Казани во время выступления исполнителя Макса Коржа в 2019 году. Тогда жители нескольких домов пожаловались на вибрации и толчки в квартирах — у них шатались дверцы шкафа, тряслись люстры и дребезжала посуда. Прибывшие сотрудники МЧС установили, что эпицентр толчков находился в Ледовом дворце спорта «Татнефть Арена», расположенного рядом с домами."(с)
Тогда на youtube-канале рэпера Макса Коржа появилось видео с концерта в Казани, который вызвал «землетрясение». Он прошел 14 апреля 2019 года.

К сему: ВИДЕО Макс Корж. Казанское землетрясение. 14.04.2019 г.

Фото «Хаббла» превратили в космическую музыку. Послушайте!: "Что будет, если превратить галактический снимок телескопа в нотный стан? А вот что.





Для нас космос нем. Ведь звуки, которое воспринимает человеческое ухо, – это колебания частиц воздуха (или воды, или земли, или любой другой среды). За пределами атмосферы мы не услышим ровным счетом ничего.

Однажды исследователи NASA сами решили сочинить космическую музыку. Своеобразным «нотным станом» стал снимок, сделанный телескопом «Хаббл» 13 августа 2018 года. Яркие точки на нем – галактики, а в каждой – мириады звезд. Ученые даже назвали снимок «сундуком с галактическими сокровищами».

Каждый объект на изображении наделен своим звуком – от 30 до 1000 герц (высота зависит от положения на снимке). Небольшие и тусклые галактики откликаются короткими звуками, а яркие, относительно близкие звезды и спиральные галактики – более длинными, громкими и сложными.

Получившаяся композиция звучит жутковато, но не слишком удивительно. В фантастических фильмах, повествующих о космосе и инопланетянах, вымышленный звуковой ряд бывает и более устрашающим.





Ранее в NASA уже проводили различные звуковые космические эксперименты. Новый пример даже сравнительно мелодичен: по мнению исследователей, самые приятные звуки в середине трека издает скопление галактик RXC J0142.9 + 4438."(с) Источник: https://rtraveler.ru/universe/kak-zvuchit-f...speriment-nasa/

К сему: кстати, "Как звучит околоземное пространство? Плейлист на ночь": https://rtraveler.ru/universe/poznakomtes-s...o-prostranstva/

(Книгочей @ 17-12-2023 - 22:59)
Есть тема "Очевидное - Невероятное", но сюда больше подходит что Концерт Тейлор Свифт вызвал «землетрясение»: "Ученые зафиксировали сейсмическую активность магнитудой 2,3."(с)
А что могло бы быть, если на этом концерте исполгялась хотя бы одна песню длиной в 138 часов : "Музыкальная статистика утверждает, что среднее время продолжительности песен в последнее время сокращается. Сегодня композиции по 10—20 минут (как у Pink Floyd, например) — большая редкость. Но есть, есть ещё настоящие борцы за право играть и петь до упада! И о таком прекрасном человеке наш рассказ.

Вы бы стали слушать песню, которая длится почти шесть дней?

Джагадиш Пиллаи — писатель, исследователь и мотивационный оратор из Варанаси (Индия) — считает, что это вполне нормально и достижимо. В апреле он наконец осуществил свою давнюю мечту и записал песню собственного сочинения. Сочинил, записал, смикшировал и издал. Результатом его усилий стал музыкальный трек продолжительностью 138 часов 41 минута и 20 секунд!

Это самая длинная официально выпущенная песня за всю историю.

Трек основан на поэме «Рамачаритаманас» («Море деяний Рамы») и носит то же название. Это знаменитое поэтическое произведение индийского поэта XVI века Тулсидаса, которое считается одним из эпических шедевров индуизма и состоит из более чем 15 000 стихов.

Джагадиш Пиллаи взялся за свой музыкальный проект не просто так. Целью было, ни много ни мало, установление мирового рекорда по продолжительности песенной композиции. Идея возникла ещё в 2016 году, начало положено в 2019-м, но осуществить проект удалось лишь сейчас. В общей сложности на это ушло четыре года, 63 дня и 295 часов.

Поэма написана на языке авадхи, народной форме хинди, на которой в основном говорят в регионе Авад; следовательно, песня-рекордсмен также написана на языке авадхи. Она подробно рассказывает о деяниях легендарного Рамы, седьмого аватара Вишну, хотя местами заметно отличается от оригинального эпоса.

Место, где Джагадиш Пиллаи поставил свой рекорд, приобретает особое значение, поскольку город Варанаси, расположенный в Северной Индии, — известный духовный центр приверженцев индуизма. Это один из старейших постоянно населённых городов мира, полный древних традиций и часто упоминаемый в эпических сагах. Считается, что Варанаси был основан богом Шивой и имеет многовековую историю.

К тому же именно здесь жил автор поэмы Тулсидас и здесь он основал храм Санкатмочан, посвященный Хануману, богу и центральной фигуре Рамаяны. Считается, что здание стоит на том месте, где святому и учёному явилось божество.

По словам Джагадиша Пиллаи, Варанаси называют духовной столицей Индии.

Здесь течёт священная река Ганг. Здесь расположены тысячи храмов. И пригород Сарнатх — место, где Будда Шакьямуни прочёл первую проповедь пяти первым своим ученикам, осуществив «поворот Колеса учения». Этому городу есть что показать и рассказать.

А эпическая песня длиной почти в шесть дней поможет распространить духовность, присущую Варанаси, по всему миру."(с) Источник: https://www.guinnessworldrecords.com/news/2...urs-long-751302

То что песни и вообще музыкальные произведения являются отражением событий происходящих в жизни общества - общеизвестно. Например, произведение “Полет шмеля над морем” Римского-Корсакова из оперы "Сказка о царе Солтане", о котором можно сказать "Сказка - ложь да в ней намёк! Добрым молодцам урок!" К сему: Полет шмеля над морем: "В опере композитора Римского Корсакова «Сказка о царе Солтане» есть одна из лучших тем – полет шмеля над морем. Шмель – это преображенный царевич Гвидон, и летит он через море скрытно, чтобы узнать тайны мира и отомстить обидчикам своей матери, что и проделывает с блеском. Прибавить к этому следует то, что мичман Римский?Корсаков в 1863 году в чине гардемарина был приписан к клиперу «Алмаз», включенному в секретную эскадру Лесовского. Так же как пушкинскому шмелю, нашим кораблям предстояло тайно пересечь океан, раскрыть тайные помыслы врагов и отомстить им за унижение России. То, что тема шмеля в опере Римского?Корсакова – одна из лучших, конечно же, не случайно, в ней композитор воплотил то, что пережил лично."(с) "Герои русского броненосного флота" Шигин Владимир Виленович

Читать далее: https://history.wikireading.ru/338540

Полёт шмеля над морем: "Не так давно – в 1972 году – в США гастролировал наш Академический оркестр имени Осипова (американцы прозвали его “Балалайкой”). Во время исполнения “Полета шмеля над морем” Римского-Корсакова в зале возникло странное оживление. На коктейле, устроенном в Белом доме для наших артистов, к ним подошел чиновник госдепартамента и сказал, что волшебный “Полет шмеля” напоминает ему очень многое.

Да, в Америке еще не все забыли тот гибкий маневр русской дипломатии, который для американцев невольно ассоциировался с тревожной музыкой “Полета шмеля над морем”. Римский-Корсаков заканчивал оперу “Сказка о царе Салтане” на самой грани XX века, когда США, уже разгромив флоты Испании на Кубе и Филиппинах, вышли в разряд ведущих морских держав. А в памяти композитора еще не угасли впечатления юности, суровое плавание к дальним берегам, когда русские эскадры отправились в океан, чтобы помочь Линкольну в его трудной борьбе…"(с) "Полет шмеля над морем" Валентин Пикуль

Далее: https://www.litres.ru/book/valentin-pikul/p.../chitat-onlayn/

ВИДЕО Полет Шмеля" - Оркестр " Little Band" - Джаз - рок версия - Джаз над морем 2017 г.





Это сообщение отредактировал Книгочей - 08-04-2024 - 15:26

(Книгочей @ 08-04-2024 - 15:25)
То что песни и вообще музыкальные произведения являются отражением событий происходящих в жизни общества - общеизвестно.
А вот совсем свежий пример! Альбом Бейонсе Cowboy Carter уже вошел в историю музыки. Как он переосмысляет американское прошлое и почему так злит консерваторов: "Неделю назад Бейонсе выпустила Cowboy Carter — восьмой по счету студийный альбом, который моментально стал самой обсуждаемой культурной темой на Западе. Рассказываем, зачем Бейонсе перешла дорогу консерваторам и почему этот альбом точно войдет в историю музыки.

Есть мнение что рэп-композиция «Делай как я» (1991) в своё время воспринималась как «гимн поколения».

(Книгочей @ 05-06-2024 - 11:03)
Есть мнение что рэп-композиция «Делай как я» (1991) в своё время воспринималась как «гимн поколения».
И есть точка зрения что "Русский рэп — это не просто музыкальный жанр, это зеркало, отражающее изменения и противоречия общества. Со временем он претерпел значительные трансформации, переходя от андеграундных ритмов и социального протеста к коммерческим успехам и массовой культуре."(с) Источник: https://media.2x2tv.ru/new-school-rap/

(Книгочей @ 05-06-2024 - 11:03)
Есть мнение что рэп-композиция «Делай как я» (1991) в своё время воспринималась как «гимн поколения».
"Покинув «Кар-мэн», Богдан Титомир немедленно сделал сольную карьеру. «Делай как я» стал первым полноценным гимном нового поколения: куртки и прически, мотоциклы и черные очки, немосковский бит, обыкновенный мачизм, нахрапистый речитатив — и текст, в котором фигурировали и совковые лопаты, и деньги, и улицы, и рабочие районы, и пророческая фраза «не думай ни о чем, что может кончиться плохо». Никто и не думал. Плохо кончилось.

Герман Витке автор песни:

«По неизвестной мне причине кроме слов «эй, подруга, посмотри на меня, делай как я» народ ничего не запомнил. А там, между прочим, в куплетах социальный привет очень серьезный сидит: «Здесь нет чужих, здесь только свои, здесь нет тех уродов, что виноваты, здесь нет также тех, что всех довели от любви и мечты до совковой лопаты». Социальный месседж там был — просто его никто не расслушал."(с)

Источник: https://web.archive.org/web/20120108083539/...ssian-pop/page6

(Книгочей @ 05-06-2024 - 11:04)
Есть точка зрения что "Русский рэп — это не просто музыкальный жанр, это зеркало, отражающее изменения и противоречия общества. Со временем он претерпел значительные трансформации, переходя от андеграундных ритмов и социального протеста к коммерческим успехам и массовой культуре."(с)
«Раньше не было лучше, просто было не так»: "Русский рэп — это не просто музыкальный жанр, это зеркало, отражающее изменения и противоречия общества. Со временем он претерпел значительные трансформации, переходя от андеграундных ритмов и социального протеста к коммерческим успехам и массовой культуре. Но что лежит в основе этого пути?

В 1980-х–1990-х волна хип-хоп-культуры захлестнула весь мир. В это время в нашей стране было неспокойно, и она столкнулась с серьёзными социально-экономическими изменениями: распад Советского Союза, переход к рыночной экономике, политические реформы. Эти процессы и создали уникальный фон для появления новых культурных явлений, включая рэп.

Первоначально русский хип-хоп был исключительно андеграундным явлением. Записи распространялись на кассетах и CD-дисках, часто пиратским образом, а концерты проходили в небольших клубах и на уличных площадках. Это создавало особую субкультуру, где рэп был не только музыкальным жанром, но и поиском идентичности в постсоветской реальности, способом выражения протеста против социальной несправедливости, коррупции и других проблем того времени."(с)

Источник: https://media.2x2tv.ru/new-school-rap/

(Книгочей @ 05-06-2024 - 11:48)
«Раньше не было лучше, просто было не так»: "Русский рэп — это не просто музыкальный жанр, это зеркало, отражающее изменения и противоречия общества. Со временем он претерпел значительные трансформации, переходя от андеграундных ритмов и социального протеста к коммерческим успехам и массовой культуре."(с)
Эй, диджей! История хип-хопа в СССР и России: "История возникновения хип-хоп и рэп музыки в нашей стране.

80-е. Зарождение

Рэп-культура (или хип-хоп) начала просачиваться на территорию Союза в начале 1980-х, выражалась она в первую очередь в субкультурах – граффити, брейк-танцах и диджеинге. На многочисленных танцплощадках новоиспеченные диск-жокеи монтировали свои сеты, зачастую – еще на пленочных «вертушках». А вот исполнение рэпа подтянулось немного позже, и приставка МС (Мастер Церемоний) после псевдонимов артистов стала появляться уже к концу 80-х. Органы, ответственные за мыслепреступления, тогда были заняты охотой на субкультуры рокерского спектра, поэтому хип-хоп существовал вполне себе официально. Например, проводился ежегодный танцевальный фестиваль брейка, который транслировали по телевидению, проходили съезды художников граффити и дискотеки."(с)

См. далее: https://histrf.ru/read/articles/ey-didzhey-...v-sssr-i-rossii

(Книгочей @ 05-06-2024 - 11:48)
«Раньше не было лучше, просто было не так»: "Русский рэп — это не просто музыкальный жанр, это зеркало, отражающее изменения и противоречия общества. Со временем он претерпел значительные трансформации, переходя от андеграундных ритмов и социального протеста к коммерческим успехам и массовой культуре. Но что лежит в основе этого пути?"(с) С рэпом стало тоже самое что и с панком, т.е. он капитализировался, а проще говоря, мир потребления подмял его под себя. Как ранее было с также протестным, но миролюбивым в отличии от панков, движением хиппи, который слушали психоделическую музыку, любили рок-н-ролл, а песня Джимми Хендрикса "Purple Haze", которая стала даже гитарным гимном хиппи.

А в основе рэпа, как и многих других музыкальный стилей, как всегда лежал общественный прогресс, а точнее изменения в социальном и идеологическом плане, каковые определялись сменой экономической формации.

Так что, в этом смысле ничего не ново под солнцем и нет ничего нового и под луной. Подробнее: http://www.patriarchia.ru/bible/eccl/

Это сообщение отредактировал Книгочей - 05-06-2024 - 12:13